Jestem inżynierem oprogramowania, ale jako młodszy członek zespołu miałem za zadanie stworzyć zapętloną wersję demonstracyjną naszego produktu, która będzie odtwarzana w sposób ciągły na nadchodzącym konwencie. Film jest reklamą nie tylko naszego oprogramowania, ale także niektórych platform sprzętowych, na których działa, dlatego muszę przedstawić szereg produktów i logo.
Po miesiącu pracy nad tym przyciąłem i przyciąłem do ciasnych 4 minut, ale niektóre przejścia między klipami i zdjęciami po prostu mi się nie podobają. Z „Cross Dissolve” wypróbowałem jeden rozmiar pasujący do wszystkiego, ale nie do końca. Próbowałem również spektrum slajdów, ściereczek i rozpuszczeń, ale wydaje mi się, że jest to czyjaś prezentacja PowerPoint z późnych lat 90-tych (minus podstawowe efekty dźwiękowe). Czy ta społeczność ma jakieś wytyczne, których przestrzegają przy tworzeniu przejść we własnych projektach?
źródło
Odpowiedzi:
Jakiś czas temu prowadziłem warsztaty wprowadzające do edycji wideo. Zwykłem opowiadać uczestnikom o szczególnie fajnym efekcie, który kiedyś znalazłem w Pinnacle; była to pinhata, która pojawiła się w pierwszym filmie wraz z kijem, który trafił w drugie wideo i rozwinął się na ekranie.
Celem tej anegdoty jest: Nie używaj ustawień przejścia . W ogóle. Na pewno wygląda świetnie na rolce podglądu, ale wszystkie te wymyślne machnięcia, ściereczki, slajdy i tak dalej. są po prostu rozpraszające i brzydkie. Oczywiście zależy to od rodzaju tworzonego wideo, ale zawsze starałbym się, gdyby w ogóle działał bez przejść (tj. Na stałe). Jeśli tak się nie stanie, może wypróbuj prosty, krótki krzyż rozpuszczania (np. Maksymalnie 0,5 sekundy) lub może zanurz się w czerń. Ale trzymaj ręce z dala od wszystkich innych ustawień przejścia.
Moje podstawowe zasady są następujące:
Drugi punkt jest szczególnie ważny, nawet jeśli jesteś fanem przejść. Zachowaj spójność z (a) jakiego rodzaju przejściem używasz i (b) kiedy ich używasz. Na przykład, jeśli użyjesz przejścia, aby wizualnie oddzielić dwie sceny w pierwszej połowie filmu, a następnie nagle zaczniesz używać przejścia dla każdego cięcia w scenie, jest to mylące i rozprasza. A jeśli za każdym razem upuszczasz różne przejścia, wygląda to na gównianego AMV z YouTube'a stworzonego przez 12-latka.
Na przykład obejrzyj Gwiezdne Wojny (prequele). Używają tych zamachów i slajdów z miękkimi ramkami w całym miejscu. Naprawdę ich nie lubię, ale przynajmniej są z tym zgodne.
Można to uznać za uzasadnione, ale z mojego doświadczenia wynika, że zmiana wygląda dziwnie, gdy tylko ją zauważysz. Najlepszym możliwym przejściem jest to, którego nie zauważysz, ponieważ przejście to narzędzie do lepszego opowiedzenia historii, a nie sam element opowieści. A najłatwiejszym sposobem na przejście, którego nie zauważasz, jest w ogóle nie korzystanie z niego.
źródło
Najmniej zauważalnym przejściem jest cięcie. Każde przejście, nawet rozpuszczenie, zajmuje trochę czasu i do pewnego stopnia zwraca na siebie uwagę. Oznacza to, że przejście (a tutaj używam przejścia, aby oznaczać wszystko inne niż twarde cięcie), staje się częścią opowieści, którą opowiadasz.
Na przykład rozpuszczenie wydaje się na pierwszy rzut oka sposobem na połączenie dwóch ujęć, ale w rzeczywistości powoduje ich rozdzielenie, co oznacza, że drugie ujęcie występuje później lub w innym miejscu; to trochę jak ramka w rogu komicznej ramki z napisem „tymczasem…” lub „później…”. Inne przejścia przyciągają jeszcze więcej uwagi do siebie i stają się częścią wyglądu i treści filmu. Nie używaj ich tylko dlatego, że wyglądają fajnie, muszą być zmotywowani historią, którą próbujesz opowiedzieć, jeśli nie będą wyglądać tak, jakby zostali przyklejeni na gorąco.
Problem polega na tym, że cięcia mogą być zauważalne. Każde cięcie z jednego ujęcia do podobnego, np. Dwa ujęcia w podobny sposób ujęte w temacie wywiadu, podskoczy - nazywa się to skokiem skoku. Przeciwnie intuicyjnie sposobem na zmniejszenie rozcięcia jest uczynienie dwóch strzałów, które oddziela, innymi od siebie. Więc jeśli chcesz wyciąć razem dwa zdjęcia tego samego obiektu, możesz przejść od zbliżenia do szerokiego lub odwrotnie. Innym sposobem na motywację cięcia jest ruch. Dopasowane ruchy w ramce często sprzedają cięcie, które nie działałoby z zawartością statyczną. Wejścia i wyjścia z ramy również motywują do cięcia.
Przeprowadzono wiele badań na ten temat; w zasadzie to, co opisuję, to umiejętność edytowania - w przeciwieństwie do umiejętności korzystania z oprogramowania do edycji, które wiele osób myli z tym, że jest tym samym. Edycja filmu Edwarda Dmytrica jest dobrą lekturą, podobnie jak książki Waltera Murcha, szczególnie W mgnieniu oka
źródło
Użyj cięć dla większości wszystkich przejść. Niektóre wyjątki ...
Użyj przejść, które przekazują znaczenie:
Jeden absolutny wyjątek: robiąc wideo dla dzieci (stworzone dla dzieci), dodaj wiele głupich przejść. Im bardziej nieznośny, tym lepiej. Przejście dinozaura, użyj go. Przejście rekina, użyj go. Użyj przejścia wulkanu. Oni to pokochają.
źródło
Spróbuję skategoryzować niektóre przejścia i skomentować je. Oczywiście nie jest to wyryte w kamieniu.
Skaleczenie
Tak, cięcie jest przejściem. Brzmi prosto, ale ma wiele smaków . Najprostszym jest cięcie bezpośrednie, w którym po prostu umieszczasz jeden klip za drugim.
Jednym z tych smaków jest J-Cut, w którym nie zmieniasz klipu dokładnie w tym samym czasie, co dźwięk. Na przykład okno dialogowe między dwiema osobami, jako widz mógłbyś odwrócić głowę do drugiego rozmówcy po usłyszeniu, że teraz mówi, więc dźwięk zmienia się przed obrazami.
Jest to cięcie, które zapewnia większą ciągłość sekwencji, tak bardzo, że w rzeczywistości można go użyć, aby go zakłócić, na przykład zmieniasz scenę bitwy na spokojny raj, co może zaskoczyć publiczność próbującą dowiedzieć się, co się stało, ponieważ zostali przetransportowani teletransportowo bez żadnego ostrzeżenia. To jest hit.
Ale cięcie może przechodzić między strzałami, jak w oknie dialogowym, jest to przekrój poprzeczny, lub może być przyspieszenie pojedynczego strzału, jak cięcie skokowe.
Jak widać, ma wiele odmian.
Szybkość i rytm mogą być różnymi aspektami cięcia. ale trzeba zostawić czas na zrozumienie obrazów, im prostszy obraz, tym szybciej można go przełączać, im więcej elementów, tym więcej czasu potrzebuje na ekranie. Niektóre teledyski mają tak szalony rytm, że są nie do obejrzenia.
Krzyż rozpuścić
Zwykle oznacza to pewną spokojną sytuację, może dodać „elegancki” element.
Można ich używać między klipami lub między dwiema większymi sekwencjami. Może albo je połączyć, albo zdystansować w zależności od kontekstu, ale zwykle łączy je pomimo nieodłącznego elementu odległości, na przykład jedna osoba myśli o jakiejś innej na całym świecie.
Ale może także pokazywać upływ czasu.
Czas trwania samego przejścia jest kolejnym elementem narracyjnym.
Fade to - Fade from
Czarny czy biały.
Zanikanie w czerń jest jednym z przejść, które najbardziej oddalają dwa senesy, daje wrażenie zamknięcia, na przykład, gdy minęło kilka lat i poprzednia sytuacja chce zostać zapomniana.
Przejście do bieli może mieć podobny efekt, ale daje niewielką ulgę, sugeruje pewne pełne nadziei uczucie. Może sugerować przemijający element „metafizyczny”, nowe początki.
Może być używany między dwiema scenami lub jako ostatni element wideo.
Ma także pewne różnice w zależności od zastosowanego „trybu mieszania”. Jeśli przejście ma tryb mieszania, który zwiększa jasność wideo, można go wykorzystać jako wstęp do retrospekcji lub coś w tym rodzaju. Ale ta odmiana może wyglądać „tanio” jako niskobudżetowy program telewizyjny.
Te trzy są najczęściej używane jak dotąd.
Narzuta
Jeden element pojawiający się nad dwoma klipami jako środkowy element przejściowy. Jednym z przykładów jest „wypalenie filmu”, w którym ten obcy element pojawia się i znika podczas przejścia. Zwykle oznacza to inny tryb mieszania, inny niż tylko rozpuszczanie.
Oczywiście można użyć oparzenia filmowego, aby dać trochę nostalgii, ale możesz być kreatywny.
Seamles
Zwykle w połączeniu z ruchem kamery, na przykład, kamera porusza się od lewej do prawej, a drzewo jest bardzo blisko kamery, a teraz inna scena ujawnia się za słupem światła o tym samym ruchu kamery. (Jest to kreatywny sposób na wyczyszczenie)
Możesz podejść do czarnego obiektu i rozpocząć następną scenę odsuwając się od innego czarnego obiektu.
Wycierać
Powoduje, że element pojawia się z jednej strony, przesłaniając obraz poniżej. Jeśli jest używany między klipami, może nadać styl „komiksowy”. Może to oznaczać, że dwie sceny występują w różnych lokalizacjach dokładnie w tym samym czasie, na przykład podczas rozmowy telefonicznej.
Ale można go również użyć do dodania elementu do istniejącej sceny, na przykład tekstu nad filmem lub ulepszonej wersji filmu nad oryginałem.
Krawędź może być ostra lub może ulegać stopniowemu mieszaniu.
Plama
Zmiana ostrości lub dodanie jakiegoś gaussowskiego rozmycia.
Oczywistym zastosowaniem jest osoba tracąca sumienie, ale może być tanim ... lub ekonomicznym sposobem przełączania się między scenami. Użyto go, gdy cięcie bezpośrednie było jedynym dostępnym narzędziem, wyłączając nagrywanie i włączając je ponownie. Wątpię, że ostatnio jest często używany.
Należy je połączyć z innymi zasobami
Na przykład z ruchami kamery, warunkami oświetlenia, a przede wszystkim ... historią.
Ale możesz także użyć wszystkiego, co masz!
Tak, możesz rzucić „fantazyjne” przejście na wideo dla dzieci, używając balonów, gwiazd i przewracających stron. Pamiętaj tylko, że może to mieć bardzo krótkotrwały styl. Ale prawdopodobnie tego właśnie potrzebujesz, nadanie filmowi wyglądu z lat 90-tych może być tym, czego potrzebujesz.
Komponowanie
Pamiętaj, że „Edycja wideo” i „Komponowanie wideo” to dwa różne, ale powiązane ze sobą rzemiosła. Niektóre elementy grafiki ruchowej lub efektów wizualnych można uznać za przejścia .
Wideo rozdarte na kawałki, kolorowe paski unoszące się wokół, geometryczne kształty, pojawiające się cząsteczki, maskowanie, nakładki, ruchy 3D, usterki ... Pamiętaj tylko o elementach z myślą o kontekście. Nagrywanie teledysku dla grupy muzycznej Techno różni się od dokumentu.
źródło