Pomoc dla strzelca filmowego: jak poradzić sobie z paradoksem wyboru?

Więc zawsze kręciłem film i było świetnie ze względu na ograniczenia, jakie nakładał na kolor: robisz 36 kolejnych ekspozycji z określonym wyczuciem, a jeśli nie lubisz wyników, radzisz sobie z tym, ponieważ nie ma możesz wiele z tym zrobić, oprócz ćwiczeń i podejmowania lepszych decyzji.

Chociaż było to czasem denerwujące, było to w pewien sposób pocieszające: obsługa kolorów w filmie była autorytatywna. Nauczyłeś się pracować w ramach ograniczeń. Jednak teraz fotografuję cyfrową Leica MD, która jest najbardziej filmowym aparatem cyfrowym, jaki mogę znaleźć, a jednak stawia mi dylemat: wszystkie ograniczenia zniknęły! Nie mam pojęcia, jak wybrać kolor, ponieważ możliwości są dosłownie nieograniczone! I nawet gdybym to zrobił, naprawdę bardzo trudno jest dobrze zrealizować wizję!

Jak radzą sobie z tym ludzie, którzy nagrywali cyfrowo od zawsze? Czy wybierasz jeden filtr VSCO dla siebie i trzymasz się go? Czy robisz szalone kalibracje kolorów, aby zacząć od idealnie neutralnego obrazu i stamtąd iść twórczo? Czy ufasz automatycznemu balansowi bieli aparatu? Czy polegasz wyłącznie na wstępnie ustawionych ustawieniach balansu bieli? Czy rzucasz rękami w powietrze i strzelasz w czerni i bieli?

Nie spodziewam się prostej odpowiedzi, ale nawet kilka słów porady byłoby dobrych, ponieważ sama liczba opcji doprowadza mnie do szału.

Nie ma jednego sposobu.

Osobiście uważam, że technologia cyfrowa uwalnia mnie na odroczenie wyborów do momentu wykonania zdjęcia. Nie tylko to, ale mogę „odkryć” nowe interpretacje sceny z różnymi uprawami, różnymi tonami, kolorem i kontrastem.

Proponuję więc zmienić perspektywę. Wiele osób opiera się postprocessingowi, jakby to było irytujące utrapienie. Zdecydowanie polecam, byś objął nową swobodę i spojrzał na nią jako na większą swobodę twórczą.

Spójrz na to jako część procesu uzyskiwania pożądanego obrazu.

Polecam również zainwestować czas w eksperymentowanie z wieloma dostępnymi narzędziami. Nie musisz stać się ekspertem, ale musisz zdawać sobie sprawę z tego, co jest możliwe.

Wszyscy są inni i YMMV, ale zapytałeś, więc powiem ci: strzelam do RAW i pracuję z plików RAW. Kiedy fotografuję RAW, w ogóle nie używam automatycznego balansu bieli i ogólnie poprawiam balans bieli i kolorów na różne sposoby (istnieje wiele technik). Od RAW masz największą cyfrową swobodę - to w pewnym sensie praca z nierozwiniętym negatywem przez całą drogę.

Przy odrobinie wytrwałości wypracujesz własne podstawowe techniki.

Pomaga to w podjęciu przynajmniej podstawowej próby skalibrowania wyświetlacza komputera. Wypróbuj tę stronę.

Przyszedłem również do techniki cyfrowej z filmu. Dla mnie osobiście fotografuję tylko w formacie RAW, a po obróbce staram się osiągnąć realistyczne kolory i wierne odwzorowanie sceny, jaką pamiętam.

Uważam, że w pewnym momencie techniki obróbki końcowej wykraczają poza fotografię i są w dziedzinie grafiki. Gdzie licencja artystyczna przekracza tę granicę? Nie wiem Ale jeśli widzę zdjęcie, a pierwsze myśli to - czy te prawdziwe kolory to prawdziwe nagranie sceny? To nie wygląda dobrze, - wtedy moim zdaniem wiarygodność jest wątpliwa. WIEM, że większość fotografów nie zgadza się ze mną w tej sprawie i nie muszę ani nie chcę się z nimi kłócić. ( rant styczny, aczkolwiek związany z pytaniem PO, minął )

Więc radzę ( weź to za swoje ), przejmij pełną kontrolę nad swoimi zdjęciami i nie pozwól, aby oprogramowanie aparatu edytowało twoje zdjęcia lub odrzucało dane za pomocą JPG.

Zrób zdjęcie w formacie RAW, wybierz balans bieli odpowiedni dla źródła światła, w którym fotografujesz (jesteś w stanie surowym, więc możesz go poprawić pocztą, jeśli chcesz).

Skalibruj swój sprzęt tak, aby był jak najbardziej zbliżony do prawdziwego życia, użyj najszerszej przestrzeni kolorów - gamuty - palety.

Przetwarzaj według własnego gustu i celów.

Weź dowolną licencję artystyczną. To jest twoja fotografia.

Prawdopodobnie zależy to od tego, co zamierzasz zrobić ze zdjęciami. Twoje obawy będą się różnić, jeśli profesjonalnie kręcisz zdjęcia do druku, a nie robisz szczerych zdjęć rodzinnych. Przez cały czas fotografowałem na surowo, na wypadek, gdybym chciał później pograć z balansem bieli. Ale po zrobieniu tego tylko z kilkoma zdjęciami przez kilka lat i sprawdzeniu, ile miejsca na dysku zajmują moje nieprzetworzone pliki, porzuciłem raw i zacząłem ufać aparatowi. Aparat zwykle wykonuje dobrą robotę. A kiedy tak nie jest, ponieważ większość moich zdjęć ma charakter osobisty, nie dbam tak bardzo o osiągnięcie technicznej perfekcji. Czasami wracam do surowych dla szczególnie „ważnych” zdjęć, ale tylko rzadko.

Po prostu wybierz losowo.

Jeśli nie widzisz żadnego powodu, dla którego jeden wybór byłby lepszy od drugiego, nie ma powodu, aby pozwolić paraliżowi decyzyjnemu i mitowi „właściwego wyboru” cię spoliczkować. Wybierz wygląd, który chcesz wybrać, dowolny wygląd, a następnie zacznij systematycznie wybierać niektóre z niekończących się narzędzi i ćwiczyć dostanie się do tego wyglądu, dopóki nie poczujesz, że możesz go dość dobrze usunąć. Zwróć uwagę, który proces daje najlepszy wynik. Następnie wybierz inny wygląd, spłucz, powtórz.

Z czasem możesz rozwinąć wąski „styl” i stworzyć dla siebie zestaw narzędzi, który da swój charakterystyczny wygląd bez większego wysiłku. Lub może się okazać, że jesteś dobrym eksperymentatorem, nadając każdemu nowemu projektowi wyjątkowy charakter. Lub okazuje się, że jest gdzieś pośrodku. W każdym razie cokolwiek się nauczysz podczas nauki tworzenia pierwszego wyglądu, sprawi, że będziesz lepszy w tworzeniu drugiego. A pierwsza i druga sprawią, że lepiej wypróbujesz trzecią. I tak dalej.

Decyzja, aby polegać na ustawieniach wstępnych lub nie, nie jest tak naprawdę ważna. Rozwiązuje się w procesie znajdowania sposobu, w jaki chcesz osiągnąć w bieżącym projekcie. I proszę, nie pozwól innym powiedzieć, że robisz coś złego, jeśli używasz balansu bieli aparatu lub podobnego! Większość ambitnych fotografów robi większość tych rzeczy ręcznie, ale tylko dlatego, że przekonuje się, że posiadanie dodatkowej kontroli ułatwia osiągnięcie tego, co zamierzają. Gdy już będziesz mieć cel do pracy, znajdziesz dla siebie, gdzie potrzebujesz lub chcesz dodatkowej kontroli i gdzie ustawienie wstępne jest wystarczające.

Ograniczenia filmu mogły pomóc Ci się skupić, ponieważ każda klatka „liczyła” więcej. Ale nie potrzebujesz zewnętrznych ograniczeń, aby się skupić, kiedy już wiesz, jak to działa. Zaletą nieskrępowanego środowiska cyfrowego jest to, że pozwala ono bezpiecznie ponieść porażkę - masz tyle prób, ile potrzebujesz, aby osiągnąć dobre wyniki (i nie zapomnij, aby doskonały nie był wrogiem dobrego). Są to najlepsze warunki do nauki - idź tam, użyj ich i strzelaj.

Uważam, że pomocne jest edytowanie zdjęć jako sekwencji, a nie pojedynczo. Jeśli pójdę na spacer lub wyruszę na wycieczkę, postaram się znaleźć styl, który dobrze pasuje do wszystkich zdjęć, i spróbuję dopasować zdjęcia do siebie. Jest to bardzo łatwe, gdy masz zdjęcia z tych samych ustawień i warunków oświetleniowych. Zaletą tego podejścia jest to, że poważnie ograniczy twoje opcje, ponieważ będziesz musiał znaleźć bardziej umiarkowany styl, który będzie działał na wielu zdjęciach. Oto mój przepływ pracy:

1. Znajduję balans bieli dla jednego zdjęcia i stosuję go do każdego zdjęcia w sekwencji.
2. Dostosowuję winietowanie na każdym zdjęciu (jest to pomocne, jeśli przycinasz później).
3. Poprawiam ekspozycję każdego pojedynczego zdjęcia; zaczynając od ekspozycji (jasności), potem czerni i bieli (zwykle), aby wypełnić histogram, a następnie dostosowuję kontrast do konkretnego obrazu. Zapewniam ciągłość między zdjęciami.
4. Kupuję preset stylów, który działa z całą sekwencją, co zwykle jest dość łatwe, ponieważ większość z nich psuje niektóre zdjęcia.
5. Przeglądam zdjęcia jeden po drugim i zauważam zdjęcia, które wystają i dlaczego; a następnie dokonuję mniejszych korekt balansu bieli i ekspozycji.

Ten przepływ pracy znacznie uprościł mi korektę kolorów, ponieważ nie szukam już perfekcji.

Pomogło mi również utworzenie profilu aparatu Adobe z edytorem profili Adobe DNG dla każdej kombinacji aparatu i obiektywu za pomocą karty kolorów (z tego sklepu na eBayu) , dzięki czemu nie muszę się martwić różnicami kolorów między aparaty fotograficzne i obiektywy. Wolę używać tych zamiast ustawień wstępnych VSCO specyficznych dla kamery, które są dostarczane z profilami aparatu, które, jak zauważyłem, dawały złe wyniki.

Na koniec możesz spróbować stworzyć własne ustawienia stylu z krzywymi w Adobe, zamiast zawsze wybierać emulację filmu za pomocą VSCO. To często daje lepsze wyniki niż jakiekolwiek ustawienie wstępne.

Jeśli jesteś zadowolony z naturalnych, pozornych kolorów lub po prostu robisz kilka szybkich, szczerych zdjęć i nie chcesz sprawiać sobie bólu głowy ... Użyj karty balansu bieli.

Myślę, że ten opis, jak to zrobić, dotyczy twojego aparatu:

Jeśli czytasz instrukcję Leica MD Type 262, nie ma dyskusji na temat korzystania z balansu bieli i nie ma przycisku ani pozycji menu dla balansu bieli. Jak więc użyć karty balansu bieli z tym typem aparatu? Odpowiedź jest łatwa! Proste odsłonięcie karty balansu bieli w ramce, tak jak w przypadku M Type 240. Po pobraniu wszystkich zdjęć do komputera i ich edycji, możesz po prostu użyć zakraplacza oka balansu bieli w Adobe Lightroom i wybrać biały karta równowagi w tym ujęciu. Temperatura zostanie ustawiona zgodnie z rzeczywistą sceną. Następnie wystarczy skopiować lub zsynchronizować zdjęcia, aby użyć tej samej temperatury dla innych obrazów. Voila! Balans bieli ustawia się za pomocą ręcznego aparatu cyfrowego!

Czy polegasz wyłącznie na wstępnie ustawionych ustawieniach balansu bieli?

Wręcz przeciwnie. W przypadku plików RAW / DNG nie decydujesz o tym w czasie ekspozycji, więc ustawienie jest nieistotne, z wyjątkiem podglądu i jego histogramu.

Jeśli mogę, strzelam szarą szmatką w kontekście, a następnie, po skopiowaniu plików, używam tego komputera, aby ustawić balans bieli na wszystkich. Jeśli nie mam ujęcia kalibracyjnego, w jednym lub drugim ujęciu mogę znaleźć wystarczającą liczbę obiektów neutralnych - po znalezieniu przenieś ustawienie na wszystkie ekspozycje.

Będę kiedykolwiek używał balansu bieli aparatu tylko w trybie „auto” lub „custom”. To ostatnie dotyczy poważnych filmów, które nie są RAW, więc czytam z wyprzedzeniem.

Czy robisz szalone kalibracje kolorów, aby zacząć od idealnie neutralnego obrazu i stamtąd iść twórczo?

Tak to. Dla normalnie oświetlonych przedmiotów. W przypadku złego lub złego oświetlenia martwię się odcieniami skóry i rozpoznawalnymi kolorami. Chyba że chcesz, aby parking wyglądał jak oświetlenie sodowe… naprawdę, w życiu zniosłeś więcej tego niż na zdjęciu, więc odpowiednio sugestywny druk może znajdować się w połowie drogi między przywróconym odcieniem skóry a woskowym wyglądem niskiego - lampy CRI.

Pamiętaj, że „dokładność” to po prostu jeden z możliwych kolorów. Ale musisz zacząć od tego przed zastosowaniem filtra, aby stworzyć inny efekt, jeśli chcesz uzyskać spójne wyniki.

To jest ogólna odpowiedź dla kamer, które wykonują raw + jpeg, ponieważ wydaje się, że pytanie nie dotyczy konkretnie Leica MD. Na końcu zwracam się do kamer typu raw.

Skorzystaj z wbudowanych plików JPEG aparatu, prosto z aparatu, z ustawieniami domyślnymi. To całkowicie eliminuje „paradoks wyboru”. Oceniając tę ​​opcję, strzelaj w formacie raw + jpeg, ale zarchiwizuj nieprzetworzone pliki i używaj tylko plików jpeg. Rób to, dopóki nie poczujesz dobrego rezultatu - lubisz je? Jeśli tak, problem został rozwiązany. Jeśli nie, zacznij badać inne „wyglądy”, albo dostosowując ustawienia w aparacie dla kontrastu, nasycenia itp. (Prawdopodobnie dobry pierwszy krok), lub znajdując komputerowy odpowiednik (ustawienie wstępne w Lightroom lub podobne). Kiedy znajdziesz „wygląd”, który Ci się podoba, wróć i przetworz wszystkie swoje pliki RAW. Jako opcjonalny krok, rozważ strzelanie tylko w formacie JPEG. Opisany dotychczas przepływ pracy dotyczy większości aparatów Nikon, Canon, Sony, Fuji itp.

Być może inni zainteresują się tym, że kamery FujiFilm są dostarczane z ustawieniami JPEG, które mają ściśle naśladować wiele zasobów filmowych.

Jeśli masz tylko aparat typu raw, pomiń jpegi w aparacie i przejdź od razu do znalezienia „wyglądu” w Lightroom lub podobnym. Po podjęciu tej decyzji zastosuj go do wszystkich swoich nieprzetworzonych plików. Jeśli chcesz, aby był „autorytatywny”, usuń nieprzetworzone pliki i zachowaj tylko pliki JPEG.