Od https://en.wikipedia.org/wiki/The_Steerage :
Steerage to fotografia wykonana przez Alfreda Stieglitza w 1907 roku. Została okrzyknięta jedną z największych fotografii wszechczasów, ponieważ uchwyciła na jednym zdjęciu zarówno dokument formacyjny swoich czasów, jak i jedno z pierwszych dzieł modernizmu artystycznego.
Po prostu tego nie rozumiem. Z pewnością jest to dokument, ale dlaczego jest tak ważny? Nie mam tła artystycznego, więc nie jestem pewien, czym jest „artystyczny modernizm” (wyszukiwanie obrazów w „artystycznym modernizmie” daje obrazy, które różnią się stylem).
Widzę, że jest to dość dobra fotografia, ale nie mam pojęcia, dlaczego ludzie twierdzą, że jest to „jedna z najlepszych fotografii wszechczasów”. Tak samo czuję się, widząc zdjęcia w galeriach sztuki. O co chodzi? czego mi brakuje?
Odpowiedzi:
Stieglitz i jego zdjęcie „The Steerage” są okrzyknięte wielkim, nie ze względu na doskonałość kompozytorską (przynajmniej jeden aspekt kompozycji jest genialny, a niektóre linie w ramce można postrzegać jako swego rodzaju „proto-kubizm” ¹) lub zalety techniczne zdjęcia. „Steerage” jest najbardziej znaczący, ponieważ po raz pierwszy użyto zdjęcia, aby powiedzieć coś o ludzkim społeczeństwie z artystycznym zamiarem, a także przedstawić scenę tak realistycznie, jak to możliwe, zamiast albo a) jedynie dokumentując ją w dużej mierze bez komentarza lub artystycznej zamiar lub b) znaczną modyfikację w celu ukształtowania możliwego komunikatu lub zamiaru artystycznego.
Sposób, w jaki Stieglitz zrobił to zdjęcie, był zupełnie inny niż sposób, w jaki ludzie uznani przez społeczność artystyczną za najwybitniejszych praktyków fotografii jako sztuki w tym czasie robili różne rzeczy. Ci nieliczni fotografowie artystyczni, którzy „mieli coś do powiedzenia” w 1907 r., Zwykle używali stylu piktorialistycznego, który stosował różne metody, aby zmienić realizm sceny w celu dopasowania ich przesłania. Sam Stieglitz był wówczas piktorialistą i opublikował „ The Steerage” w 1911 roku ponad cztery lata po zrobieniu zdjęcia, gdy zaczął odchodzić od piktorializmu.
Zamiast próbować oklejać rzeczy i sprawiać, by wyglądały tak romantycznie, jak miało to miejsce w przypadku piktorializmu , Stieglitz próbował (i odniósł sukces z The Steerage ) pokazać rzeczy tak realistycznie, jak to możliwe. Aby wywrzeć emocjonalny wpływ, Stieglitz polegał na tym, że widz zobaczył treść sceny taką, jaka była, i zrozumiał niektóre z podstawowych czynników, które doprowadziły do tego, że scena wyglądała tak, jak wyglądała, a jednocześnie rozpoznał niektóre bardziej abstrakcyjne elementy artystyczne sceny i ich znaczenie.
Genialne uderzenie kompozycyjne było sposobem, w jaki Steiglitz znalazł kąt, który umieścił puste i nieskazitelne przejście (nieużywane przez cały rejs, według Stieglitza), prowadzące do pierwszej klasy poza kamerą jako pozornie nieprzenikalnej bariery między tymi przedstawionymi w sterach po prawej i poniżej i te (nie pokazane na zdjęciu) w luksusie pierwszej klasy po lewej stronie i za aparatem. Silne geometryczne linie trapu, masztu, bomu, dźwigara pokładowego, wejścia do ładowni i stromych schodów po lewej stronie ograniczają kierujących. Chociaż więc samo zdjęcie było niezmienionym widokiem rzeczywistości, elementy tej rzeczywistości oraz sposób, w jaki Steiglitz umieścił je w kadrze, miały duże znaczenie metaforyczne i symboliczne z artystycznego punktu widzenia.
W sztuce często występują dwa rodzaje arcydzieł:
Bardzo rzadko ten sam artysta, a tym bardziej ta sama praca, wykonuje obie rzeczy.
Być może najlepszym przykładem, jaki przychodzi mi na myśl, jest gra „na trzy palce” Earla Scruggsa, która nigdy nie istniała przed jego opracowaniem i nigdy nie została zwieńczona przez nikogo po nim.
W przeciwieństwie do tego, kiedy Michał Anioł wyrzeźbił Dawida , osiągnął najwyższy wyraz rzeźby renesansowej, która rozwijała się od stuleci, i sięgał wstecz aż do klasycznych form greckich. Jak powiedział Giorgio Vasari o Davidzie , przekroczył on „wszystkie starożytne i współczesne posągi, greckie lub łacińskie, jakie kiedykolwiek istniały”. Po Davidzie nie pozostało nic innego, jak tylko znaleźć inny kierunek, jeśli chodzi o marmurową rzeźbę. Tak więc rozwój manieryzmu , który sprzyjał napięciu kompozycyjnemu i niestabilności, a nie proporcji, równowadze i idealnej urodzie wysokiego renesansu.
The Steerage Stieglitza to pierwszy typ. Dzięki niemu wprowadził nowy sposób wykorzystania fotografii, które były bardzo realistyczne, ale udało im się, poprzez ich starannie skomponowany realizm, wypowiadać się w sposób symboliczny i metaforyczny przy użyciu artystycznego słownictwa. Istnieją znacznie lepsze przykłady, pod względem składu i sprawności technicznej, tego, co Stieglitz rozpoczął od The Steerage . Przychodzą mi na myśl niektóre dzieła Westona, Adamsa i Lange. Ale nie ma wielu, jeśli w ogóle, wcześniejszych przykładów.
Byli inni przed Stieglitzem i The Steerage, którzy używali fotografii do „opowiadania historii”. Jacob Riis ², który być może jest „dziadkiem” współczesnego fotoreportażu, ³ robił to już w latach 80. XIX wieku. Mathew Brady , który udokumentował amerykańską wojnę domową na początku lat 60. XIX wieku, można uznać za jednego z „pradziadów” fotoreportażu. Ale Brady i Riis nie mieli aspiracji, by ich zdjęcia były postrzegane jako „sztuka”.
Z drugiej strony Stieglitz zaczął od artystycznych zamiarów i odkrył, że może wykadrować zdjęcie „dokumentalne”, aby pokazać pożądane elementy artystyczne. „Stieglitz” The Steerage był rewolucyjny, ponieważ był wczesną formą „proto-kubizmu” w tym samym czasie, gdy Picasso po raz pierwszy eksperymentował z nim przy użyciu bardziej tradycyjnych mediów, ale Stieglitz zrobił to za pomocą realistycznej fotografii - która nigdy nie naprawdę był wcześniej używany do tworzenia sztuki wysokiej.
¹ Po obejrzeniu „ Sterowania” sam Pablo Picasso zauważył: „Ten fotograf pracuje w tym samym duchu co ja”.
² Podziękowania dla użytkownika BobT za przypomnienie mi Riis.
³ Bez względu na to, czy słusznie, czy nie, Henri Cartier-Bresson jest uważany przez wielu za „ojca” współczesnego fotoreportażu.
źródło
Dla mnie to zdjęcie jest arcydziełem, ponieważ autor w zasadzie wymyślił koncepcję „opowiadania historii ze zdjęciem”, pracując przy dość nowej technologii. Ponieważ (stosunkowo) niedrogi aparat pojawiał się dopiero ( Brownie wydostał się w 1900 r., A film 35 mm został wprowadzony w 1905 r. ), Zrobienie tego zdjęcia w 1907 r. Jest jak tworzenie świetnego vloga (dobra produkcja, świetne tempo itp.) W 2008 ( 2 lata po tym, jak Google kupi Youtube ). To trochę wielka sprawa ... nawet jeśli według standardów 2019 roku, vlog jest tylko „ok”.
Uwaga: Podziękowania dla BobT za wskazanie, że samo zdjęcie zostało zrobione przez 4x5 na szklanej płytce negatywu, a nie 35 mm. Wspomniałem o 35 mm w poprzednim akapicie, aby podkreślić niedawne pojawienie się popularnej fotografii. 35 mm był w zasadzie „bezlusterkowcem” w 1907 r .;-) Wielu profesjonalistów wciąż musiało używać kamer płytowych.
To pytanie sprawia, że myślę o filmie Citizen Kane. Osobiście nie lubię tego filmu, ale rozumiem, w jaki sposób fotografia (nowe ujęcia i wzory), techniki narracyjne i komentarze społeczne są postrzegane przez wielu ekspertów jako cuda. Welles WYNALAZŁ tak wiele nowych sposobów filmowania i wzbudzania emocji związanych z tym filmem, że sama sztuka posunęła się naprzód.
Aby odpowiedzieć na twoje pytanie, myślę, że to zdjęcie, w 1907 roku, rozwijało sztukę fotografii. Po tym zdjęciu fotografia była mniej techniczna i bardziej konkretna forma sztuki.
Wygląda na to, że Stieglitz był artystą, który chciał opowiadać prawdziwe historie o prawdziwych ludziach i miejscach ... i tak bardzo lubił swoje medium, że sam stał się częścią historii fotografii.
Znalazłem też to na modernizmie ... dzięki za sprawdzenie, czy go szukam.
źródło
Odpowiedź znajduje się tutaj: https://en.wikipedia.org/wiki/The_Steerage
Z grubsza wielka metafora, bogaci na górze na świeżym powietrzu, biedni na dole, w ciemności.
źródło