Czy kompozycja po uchwyceniu jest niezgodna z tradycyjnymi zasadami fotografowania?

Do fotografowania używam telefonu komórkowego. Zwykle, gdy zauważam coś interesującego, robię zdjęcie z ciekawym miejscem w pobliżu regionu, w którym chcę. Ale robię to z wyraźnym założeniem, że ostateczna kompozycja po edycji za pomocą Snapseed może być zupełnie inna. Robię to, ponieważ czuję, że uzyskuję większy poziom swobody i wygody, gdy komponuję offline, gdy siedzę gdzieś wygodnie.

Moje pytanie brzmi, czy jest to powszechna praktyka wśród fotografów? A może tradycyjni fotograficy robią kompozycję, kiedy robią zdjęcia?

Mówiąc dokładniej, czy komponowanie offline jest uważane za oszustwo czy coś w tym rodzaju?

Aktualizacje:

Przykład mojej kompozycji offline

ORYGINALNY KOŃCOWY

To nie ja dodałem tag „etyka”. I szczerze mówiąc nie myślałem o etyce, kiedy użyłem słowa oszukiwanie. Miałem na myśli stosowanie skrótów. Technologia ułatwiła robienie dobrych zdjęć. Lepszym sformułowaniem pytania byłoby to, czy tradycyjni fotografowie nie lubią kompozycji offline.

Robię zdjęcia jako źródło mojej kreatywności. Nie zamierzam na tym zarabiać ani wykorzystywać ich do promowania czegokolwiek. Właśnie przesłałem go do 500px .

Nie chodzę do miejsc, aby robić zdjęcia. Robię zdjęcia interesujących rzeczy w miejscach, które zabiera mnie życie. Będąc introwertykiem, nie czuję się dobrze, niosąc duży aparat i statyw itp. W zatłoczonych miejscach i przyciągając uwagę. Więc teraz wolę telefon z dobrą specyfikacją aparatu (LG G6). Wolę robić zdjęcia szybko i nie trzymać się. Dlatego wolę komponować później. Oczywiście robię minimalną kompozycję podczas przechwytywania.

Mimo że otrzymałem odpowiedzi, których potrzebuję, bardzo trudno mi tutaj wybrać najbardziej odpowiednią odpowiedź. Czy powinienem poczekać kilka dni i wybrać odpowiedź z największą liczbą głosów?

Parafrazując fragment starożytnej hebrajskiej Księgi Kaznodziei:

Na wszystko jest pora roku.

Czas na narodziny, czas na śmierć
Czas na załamanie, czas na budowanie
Czas na zachowanie, czas na rzucenie
Czas na użycie „Automatycznej ekspozycji”, czas na użycie „Ręcznej ekspozycji”
Czas użyć „Single Point AF-S”, czas użycia „Area AF-C”
Czas przycięcia w słupku, czas ostrożnego skomponowania końcowego zdjęcia podczas fotografowania.

W przypadku wielu rzeczy w fotografii istnieją pewne rzeczy, które mogą być bardzo przydatne podczas nauki robienia zdjęć, które ostatecznie przeszkadzają w robieniu najlepszych rodzajów fotografii. Sztuką jest rozpoznanie, kiedy coś, co kiedyś było przydatne, stało się czymś, co powstrzymuje nas przed staniem się jeszcze lepszym fotografem.

Nie oznacza to, że kadrowanie jest zawsze w pierwszej kategorii, a nigdy nie jest zawsze w drugiej. Są też czasy i miejsca, kiedy kadrowanie po fakcie da lepszy obraz niż to, co najlepsze wysiłki fotografa, ograniczone czynnikami niezależnymi od niego, mogą zrobić w aparacie.

Czczony Henri Cartier-Bresson miał coś do powiedzenia na temat kadrowania:

Jeśli zaczniesz wycinać lub kadrować dobre zdjęcie, oznacza to śmierć w geometrycznie poprawnej grze proporcji. Poza tym bardzo rzadko zdarza się, że słabo skomponowaną fotografię można zapisać przez rekonstrukcję jej kompozycji pod powiększalnikiem ciemni; nie ma już integralności widzenia.

Jednak nawet HCB używał kadrowania (i znacznego uniku i palenia w ciemni, prawdopodobnie wykonywanego przez kogoś innego), gdy był to jedyny sposób na uzyskanie pożądanego strzału.

Wokół niektórych napraw za stacją kolejową Gare Saint Lazare znajdował się płot z desek. Zdarzyło mi się, że zerkam przez szczelinę w płocie z aparatem w chwili, gdy mężczyzna skoczył. Przestrzeń między deskami nie była wystarczająco szeroka dla mojego obiektywu, dlatego obraz został odcięty po lewej stronie.

Ale ogólnie kadrowanie jako sposób na zapisanie lub ulepszenie mniej niż idealnie skomponowanego obrazu jest prawdopodobnie bardziej przydatne jako narzędzie edukacyjne w rozwoju fotografa niż jako podstawowe narzędzie w torbie sztuczek dla dojrzałego fotografa. Kadrując po fakcie, rozwijający się fotograf może samokrytykować własne kompozycje i zastanawiać się, w jaki sposób mogliby ulepszyć zdjęcie, komponując je inaczej w momencie robienia zdjęcia.

Weźmy na przykład oryginalny obraz zawarty w PO.

Porównaj to z uprawą OP:

Ten kadr pozwala pozostawić dystrakcje na trzech z czterech krawędzi kadru, aby zachować, a nawet poprawić nieco (sugerowane) linie między głową mężczyzny, słońcem i odbiciami słońca w wodzie, które tworzą trójkąt jako dominująca cecha kompozycji. Kiedy patrzymy na zdjęcie, nie możemy nie zauważyć.

Pod wieloma względami kadrowanie oryginału przez Xiota w jego odpowiedzi jest ulepszeniem w stosunku do kompozycji w aparacie i nad uprawą OP w odniesieniu do eliminacji peryferyjnych zakłóceń. Ale wprowadza również nowy problem: pozycja słońca i jego odbicie w wodzie jest teraz zbyt blisko lewej krawędzi. Implikowane linie między głową mężczyzny, słońcem i odbiciami słońca nie są już dominującymi cechami kompozycyjnymi w środkowej części obrazu. Przejmuje znacznie mniej interesująca pionowa linia w środku kadru.

Gdyby fotograf bardziej uważnie szukał ostatecznej kompozycji w aparacie, mógłby to zobaczyć i przesunął się nieco w prawo, trzymając jednocześnie dwa pionowe elementy na krawędziach, aby przesunąć słońce dalej w głąb krawędzi. Umieszczenie głowy mężczyzny i słońca po przeciwnych stronach ramy w równej odległości od krawędzi ich boków, otoczonych silnymi pionowymi elementami, znacznie wzmocniłoby ogólną kompozycję.

Wyglądałoby to mniej więcej tak:

Można to było zrobić jedynie przez dokładniejsze rozważenie ostatecznej kompozycji i dostosowanie pozycji fotografowania w momencie robienia zdjęcia.

Idealnie byłoby, gdyby fotograf idealnie ustawił aparat, aby uzyskać najsilniejszą kompozycję przed zrobieniem zdjęcia. W czasach średniego formatu, kiedy naciśnięcie spustu migawki kosztowało około 1 USD popu w filmie i koszt opracowania, tak właśnie zrobiło wielu ludzi. Gdyby ludzie przeprowadzili się przed tym punktem, strzał w ogóle nie zostałby wykonany. W dzisiejszym świecie prawdopodobnie zrobilibyśmy tak jak OP, jako zastrzyk bezpieczeństwa na wypadek, gdyby ludzie zaczęli się poruszać. Gdyby jednak pozostawały wystarczająco nieruchome, moglibyśmy również zmienić położenie aparatu, aby uzyskać bardziej idealną kompozycję, i użyć tej ramki jako naszego wybranego zdjęcia.

_{¹ Zobacz, co tam zrobiłem?}

Po pierwsze: fotografia jest formą sztuki i każdy może wykonywać swoją sztukę tak, jak chce. To powiedziawszy, tak zwane „zasady” fotografii, zwłaszcza zasady kompozycji, są raczej wytyczną, która pomaga w komponowaniu niż regułą.

Jeśli wolisz komponować obraz po ujęciu, jest to twój styl i obraz, ale komponowanie „offline” ma pewne wady w porównaniu do kompozycji bezpośredniej.

Pierwszą wadą jest to, że tracisz dużo obrazu, przez co obraz staje się mniejszy.

Możesz naprawdę zmienić kadr tylko po zrobieniu zdjęcia, ale kompozycja zawiera także kąt i pozycję, w której zdjęcie jest zrobione. Ta druga kwestia jest również kwestią, w której nie rozumiem twojego punktu większego poziomu swobody, ponieważ wielu fotografów uważa z tego powodu dość duże ograniczenie. Kompozycja to coś więcej niż tylko kadr obrazu. To jest pokazane i jak to pokazano. Ważne jest więc nie tylko kadrowanie, ale także pozycja, z której zdjęcie zostało zrobione, kąt kamery, ogniskowa, ...

Moje pytanie brzmi, czy jest to powszechna praktyka wśród fotografów? A może tradycyjni fotograficy robią kompozycję, kiedy robią zdjęcia?

Wielu fotografów dokonuje poprawek kadrowania po zrobieniu zdjęcia, ale zawsze wycina ono części obrazu i nie można dodawać zbyt wiele w poście. Dlatego powinieneś postarać się, aby sama kompozycja była jak najbliżej produktu końcowego w kamerze.

Mówiąc dokładniej, czy komponowanie offline jest uważane za oszustwo czy coś w tym rodzaju?

Fotografia jest formą sztuki, więc oszustwo nie jest tak naprawdę możliwe, dopóki stoi się za tym, co się robi i nie twierdzi się, że jest czymś, czym nie jest. Na przykład nie nazywaj tego fotografią dokumentalną, jeśli zmieniłeś rzeczy na obrazie, takie jak usunięcie zakłóceń.

Dużym problemem jest to, że kompozycja offline jest znacznie bardziej ograniczona niż robienie tego online. Dlatego lepiej jest poświęcić trochę czasu na zrobienie zdjęcia i zbliżyć się do niego, niż długo myśleć i być ograniczonym swoimi zmianami.

Z artystycznego punktu widzenia fotograf jest zobowiązany do użycia wszelkich dostępnych środków, aby osiągnąć zamierzony efekt. Obejmuje to kadrowanie i / lub inne techniki manipulacji obrazem.

Aby zilustrować mój punkt widzenia - jest to oryginalna rama Alberto Korda. Bez wątpienia znasz edytowaną wersję. Został przycięty i poprawiony kontrast.

Możesz zgodzić się lub nie zgodzić z rezultatem, ale decyzja Kordy była podjęta (i osobiście myślę, że go przybił).

Moje pytanie brzmi, czy jest to powszechna praktyka wśród fotografów? A może tradycyjni fotograficy robią kompozycję, kiedy robią zdjęcia?

Fotografowie zazwyczaj dążą do uchwycenia obrazu, który jest możliwie najbliższy końcowemu obrazowi. Trzy powody tego:

• kontrola: Istnieje wiele aspektów obrazu, których nie można zmienić po fakcie. Nie można na przykład zmienić ostrości, punktu widzenia ani momentu w momencie wykonania zdjęcia. Te rzeczy są upieczone na obrazie, a aby je naprawić, ogólnie potrzebujesz całkiem dobrego wyobrażenia o tym, jak według ciebie będzie wyglądać ostateczny obraz.

• rozdzielczość: kadrowanie obrazu w aparacie, tak jak chcesz, aby końcowe zdjęcie było kadrowane, oznacza, że ​​nie musisz przycinać obrazu lub nie musisz przycinać go zbyt często. Oznacza to, że używasz wszystkich lub prawie wszystkich danych z czujnika, więc otrzymujesz obraz o najwyższej rozdzielczości. Jeśli wykadrujesz znaczną część obrazu, pozostanie Ci mniej pikseli do pracy.

• czas: Jeśli komponujesz obraz tak, jak chcesz, kiedy go robisz, nie musisz poświęcać tyle czasu na jego edycję później. Może nie wydawać się wielkim problemem zaoszczędzić kilka minut, ale jeśli zrobiłeś sto lub dwieście zdjęć dziennie, skrócenie czasu, który musisz poświęcić na każde z nich, robi dużą różnicę.

To nie znaczy, że fotografowie później nie zmieniają zdania. Często zdarza się zauważyć na zdjęciu coś, czego wcześniej nie widziałeś, lub uświadomić sobie, że zdjęcie byłoby jeszcze lepsze, gdyby pominięto jego część. Ale przez większość czasu wiesz, co próbujesz uchwycić, robiąc zdjęcie, i próbujesz użyć wszystkich elementów sterujących aparatu, aby zrobić zdjęcie, które chcesz. Masz najwyższą kontrolę nad obrazem w momencie ekspozycji.

Mówiąc dokładniej, czy komponowanie offline jest uważane za oszustwo czy coś w tym rodzaju?

To nie jest oszukiwanie, a jeśli to działa, idź z tym. Pamiętaj, że rezygnujesz, jeśli rutynowo wycinasz dużą część swoich zdjęć.

Na rynku dostępne są kamery, które rejestrują więcej danych niż potrzebujesz do pojedynczego obrazu, dzięki czemu masz swobodę późniejszego dostosowania. Kamery z polem świetlnym mają specjalne czujniki, które rejestrują światło w wielu płaszczyznach ogniskowania, dzięki czemu można później zmienić punkt ostrości. Niektóre aparaty mogą rejestrować serię zdjęć zamiast tylko jednego, dzięki czemu można zmienić moment, w którym zarejestrowano końcowe zdjęcie, lub nawet połączyć części kilku zdjęć, aby uzyskać zdjęcie, na którym wszyscy patrzą na aparat w tym samym czasie, nawet jeśli tak się nie stało.

Lepszym sformułowaniem pytania byłoby to, czy tradycyjni fotografowie nie lubią kompozycji offline.

Nigdy nie słyszałem, żeby ktokolwiek używał wyrażenia „kompozycja offline”, więc nie sądzę, aby większość fotografów tak o tym myślała. To, co pokazałeś jako przykład, jest dość typowym przykładem przycinania - później zdecydowałeś, że most był bardziej interesujący niż niebo lub kolana badanych. Fotografowie robią takie rzeczy przez cały czas, a jeśli ktoś na ciebie patrzy, to kogo to obchodzi? Nie martw się o to.

To powiedziawszy, myślę, że większość fotografów również stara się myśleć o kompozycji podczas robienia zdjęcia, z powodów, które przedstawiłem powyżej. Jeśli jesteś zadowolony ze swojego procesu i jesteś zadowolony z tworzonych obrazów, nic nie zmieniaj. Ale jeśli chcesz poprawić swoje zdjęcia, jedną rzeczą, którą możesz zrobić, jest staranie się bardziej uważać na kompozycję podczas fotografowania.

Ta odpowiedź skupia się na aspekcie oszustwa pytania.

... czy komponowanie offline jest uważane za oszukiwanie ...?

Oszukiwanie zyskuje przewagę dzięki oszustwu. Bez względu na to, jakie zasady fotografii prywatnej stosujesz, oszustwo jest, jeśli kiedykolwiek poczujesz potrzebę kłamania. Dopóki jesteś otwarty na to, co robisz, nie oszukujesz. Nawet przy czymś tak banalnym jak przycinanie, jeśli mówisz, że nie, ale tak, to oszustwo. Ponieważ otwarcie przyznajesz się do „komponowania offline”, w twoim przypadku nie jest to oszustwo . Dla kogoś, kto twierdzi, że obraz został wyprodukowany całkowicie w aparacie, byłoby to oszustwem.

Nie dotyczy to fotografii.  Uprawiać sport. Dlaczego pewne leki oszukują? Ponieważ wszyscy zgodzili się tego nie robić, a ci, którzy osiągają przewagę, kłamią. Gdyby istniała seria sportowa, w której dozwolone było przyjmowanie leków poprawiających wydajność, przyjmowanie ich nie byłoby już oszustwem.

Oszukiwanie jest poważne.  Ludzie tracą medale, stopnie naukowe i wyróżnienia z powodu oszukiwania. Ludzie są wyrzucani z uniwersytetów za oszukiwanie. Dokumenty są wycofywane z powodu oszukiwania. Oszukiwanie jest złe.  Ludzie wiedzą, że zaraz zrobią coś złego, kiedy zaczną planować ukrywanie i generują wymówki na wypadek, gdyby zostali przyłapani.

To nie prawda, że oszustwo nie jest możliwe, ponieważ fotografia jest „sztuka”.  Znów oszustwo wykorzystuje oszustwo, aby zyskać przewagę. Ktoś może kłamać na temat tego, jak powstała „sztuka”, aby zwiększyć sprzedaż lub wygrać konkurs z jasno określonymi zasadami. To jest oszustwo.

Załóżmy, że fotograf dokumentalny edytuje i publikuje zdjęcia . Fotografowie dokumentalni twierdzą, że pokazują rzeczy „takie, jakie są”, a zmiany są ograniczone do wskazówek wydawcy. Kiedy edytują zdjęcia poza dozwolonymi, kłamią, by zyskać przewagę. Stąd oszukiwanie.

... czy [komponowanie offline] jest powszechną praktyką ...?

Nie ma nic złego w „komponowaniu offline”, o ile jego praktyka nie wiąże się z oszustwem.  Większość ludzi w pewnym momencie wyprostowała się i przycięła zdjęcie. Niemożliwe jest, aby w przypadku niektórych rodzajów zdjęć o określonych rozmiarach i proporcjach, takich jak zdjęcia paszportowe i profilowe. Kadrowanie może być częścią procesu przesyłania i wyboru obrazu.

Wielu, którzy (nigdy) nie przycięli, prawdopodobnie po prostu nie wiedzą ani nie dbają o to, jak to zrobić. Prawdopodobnie nie stawiają żadnego zasadniczego oporu przeciwko przycinaniu. Są to zazwyczaj ci, którzy nie mają zdjęć profilowych na żadnym ze swoich kont i mają swoje wnuczki, które skonfigurowały całą elektronikę.

Powody, dla których nie należy kadrować, aby zrobić to w aparacie, obejmują maksymalizację obszaru filmu / czujnika, unikanie wysiłku przetwarzania końcowego i satysfakcję z uzyskania idealnego obrazu. Nie ma sensu kłamać na temat przycinania. Jakikolwiek „prestiż” uzyskany dzięki kłamstwu jest równoważony przez konieczność dalszego przetwarzania i brak pośpiechu z dopaminą przed dostaniem go do kamery.

[Czy] tradycyjni fotografowie robią kompozycję, gdy robią zdjęcia?

To zależy od tego, jak tradycyjne. Tylko film? Rozwijać się? Wydrukować się? W ciemni z powiększaczem? Mieszać własne chemikalia? Itd.  Niektóre media nie mogą być łatwo przycięte , takie jak folia do slajdów i szklane płytki. Niektóre formaty nadają się do kadrowania , na przykład kwadratowe formaty średnie z obiektywem o stałej ogniskowej.

Zasadniczo istnieją dwa powody dla „reguł” w fotografii. Cóż, trzy. Trzeci rodzaj zasad to rzeczy, które są podyktowane przez mechanikę lub fizykę: nie możesz mieć dwóch obiektów w różnych odległościach, zarówno w centrum uwagi, ziemia obraca się z określoną prędkością , słońce może uszkodzić aparat i twoje oczy itp.

Ale pomijając tego rodzaju praktyczne rzeczy, istnieją dwa powody dla reguł:

Po pierwsze, wytyczne mające na celu uproszczenie rzeczy dla początkujących i innych osób niepewnych składu. Odnosi się to do „zasady trzeciej” i innych zasad „dziel przez linie”, a także wielu innych sugestii dotyczących „właściwego” składu i ekspozycji. Zobacz kilka przykładów:

• Temat obok, na skrzyżowaniu lub wewnątrz linii w zasadach kompozycji? )
• Kiedy robisz zdjęcie, gdzie powinien być horyzont?
• Co to znaczy, gdy coś „rozprasza”?
• Czym jest „poprawna” ekspozycja?

Tego rodzaju reguły są również rodzajem reguł, które mają być łamane . Tak naprawdę nie mają zastosowania w każdym przypadku, a gdyby wszyscy przestrzegali każdej takiej zasady, fotografia byłaby nudna i smutna.

Po drugie, chociaż istnieją mniej lub bardziej arbitralne reguły, które mogą działać jako narzędzia kreatywności, takie jak formy wiersza . Nie ma nic magicznego, co by mówiło , że wiersz miłosny musi składać się z trzech czterowierszy i ostatecznego dwuwiersza, ale wielu ludziom podoba się to wyzwanie. Wybieranie czegoś innego niż dziewiętnaście wierszy z dwoma powtarzającymi się rymowankami i dwoma refrenami do medytacji nad życiem i śmiercią nie jest „oszustwem” - ale celowe trzymanie się villanelle przyniosło niewiarygodnie potężne i trwałe dzieła. (Nawet jeśli nie interesujesz się poezją, znasz te linijki: „Nie idź łagodnie w tę dobranoc. Wściekłość, wściekłość wobec umierającego światła.”)

Może to być również prawdą w fotografii i rzeczywiście niektórzy mistrzowie mieli obsesję na punkcie nie przycinania - nie dlatego, że oszustwo samo w sobie, ale dlatego, że nie jest to duch ich fotografii. Dla pioniera fotografii ulicznej i legendy Henri Cartiera-Bressona fotografie dotyczą „ decydującego momentu ”. Mówi to o kadrowaniu:

[W] musimy mieć wyczucie geometrii relacji kształtów, jak w każdym plastikowym medium. I myślę, że umieścisz się w czasie, mamy do czynienia z czasem i przestrzenią. Podobnie jak wybierasz odpowiedni moment w wyrażeniu, tak samo wybierasz właściwe miejsce. Podejdę bliżej lub dalej, nacisk zostanie położony na ten temat, a jeśli relacje, wzajemne oddziaływanie linii jest poprawne, to znaczy, że tam jest. Jeśli to nie jest poprawne, nie oznacza to przycinania w ciemni i robienia wszelkiego rodzaju sztuczek, które poprawiasz. Jeśli zdjęcie jest przeciętne, dobrze pozostaje przeciętne. Rzecz jest zrobiona raz na zawsze.

Podobnie grupa f.64 , której członkiem był Ansel Adams (wraz z Imogenem Cunninghamem, Edwardem Westonem i innymi), doceniała wykonywanie odbitek kontaktowych z kamer wielkoformatowych - obraz mógł być mocno zmanipulowany , ale został zauważony jako brak kadrowania . Z artykułu o Weston :

Jennifer Watts, kurator zdjęć w Huntington, powiedziała, że ​​Weston nigdy nie wykadrował swoich zdjęć: „Naprawdę chodzi o znalezienie formy w naturze. Czy jest to sękata forma na pniu drzewa lub chmur, i szlifowanie tego w jasny, zwięzły, oprawiony sposób . ”

Tak, tak, tam na pewno są „tradycyjne zasady fotografii”, która przycinania w ciemni (teraz lub na komputerze) są postrzegane jako niepowodzeniem. Ale to dobrze. Nie każdy wielki wiersz to sonet. W rzeczywistości z manifestu grupy f.64 :

W fotografii jest wielu poważnych pracowników, których styl i technika nie odnoszą się do metier grupy.

„Metier” oznacza „biznes lub rozmowa telefoniczna” iw tym sensie nie jest to tak naprawdę profesjonalna praca, jak szczególne zasady wybrane przez grupę. Tak więc ta grupa bardzo dobrze ocenianych tradycyjnych fotografów ściśle przestrzegała określonego zestawu zasad i uznała, że ​​jest to ważne i cenne, dlatego nie czuli potrzeby egzekwowania tych konkretnych zasad wobec wszystkich.

Ważne jest jednak, aby zdawać sobie sprawę, że wybrane przez nich reguły nie są jedynie arbitralne. W istotny sposób wpisują się w historię . Artyści z Grupy f.64 zareagowali na modną wcześniej piktoralistyczną szkołę fotografii. Podsumowując, ten wcześniejszy ruch próbował zweryfikować fotografię jako prawdziwą sztukę, podkreślając, co naprawdę niefotograficzne aspekty tworzenia, w tym dodawanie pędzla i inne jawne manipulacje. Natomiast członkowie grupy f.64 wierzyli, że fotografia ma własny język, a język fotografii jest bezpośrednio informowany przez mechanikę tego procesu. Jest więc coś niemal świętego, od ujęcia w ramce do wydruku kontaktowego.

Chociaż wynik - unikanie przycinania - jest podobny do Cartiera-Bressona, powody wyboru tej reguły są różne. Albo raczej różni się w szczegółach, ale w rzeczywistości jest identyczny w duchu, ponieważ reguła odzwierciedla to, co fotografia oznacza dla wszystkich tych różnych fotografów.

Zachęcam do znalezienia zasad pasujących do Twojego stylu i tego, co dla Ciebie znaczy fotografia . Dla mnie unika się obiektywów zmiennoogniskowych; I często przycinać po fakcie, aby zmienić proporcje, ale zrobić rodzaj zobaczyć sytuacje, w których nie miałem kadrowanie bezpośrednio w aparacie jako niepowodzenie. Ale dla innych osób jest to tylko narzędzie w przyborniku. Wracając do poezji, wielu przypadkowych czytelników uważa dzieło Emily Dickson za szalone wiersze o swobodnej formie, ponieważ nie przestrzegają tradycyjnego schematu rymów, ale w rzeczywistości są starannie mierzone i mierzone. Nie oszukuje, nie pisząc sestyn itp., Ale zdecydowanie miała szczególny głos. Zasady takie jak „kadrowanie bezpośrednio w kamerze” mogą pomóc Ci znaleźć swoje,ta zasada.

Nie, nie uważałbym tego za oszustwo.

W niektórych przypadkach po prostu nie masz pod ręką odpowiedniego obiektywu (lub lepiej w aparacie) lub obiekt się porusza, więc musisz zrobić zdjęcie bez zmian i skomponować je później.

Dla mnie lubię fotografowanie dzikiej przyrody, ale bez względu na to, jak delikatnie pytam, jeleń (lub cokolwiek innego) będzie poruszał się w najgorszych kierunkach. Tak więc robię zdjęcie tak długo, jak to możliwe, a następnie komponuję lub przetwarzam je później.

Może to być przydatne.

1. Twój obiektyw jest ostrzejszy na środku
2. Aparat często lepiej automatycznie ustawia ostrość na środku (bardziej czuły / dokładny punkt ostrości) (niektóre stare aparaty automatycznie ustawiają ostrość tylko na środku)
3. Aparat przypisuje większą wagę środkowi obrazu, gdy określa on ekspozycję.

Oczywiście można wyśrodkować obiekt, nacisnąć do połowy przycisk, aby ustawić ostrość / ekspozycję w aparacie, a następnie przesunąć ramkę, aby skompensować 2) i 3), ale nadal powoduje to, że obiekt jest bardziej miękki.

Dlatego fotografowanie z wycentrowanym obiektem jest czasem technicznie lepsze, szczególnie jeśli masz aparat i obiektyw klasy podstawowej.

Jak wielu zauważyło, zależy to od intencji obrazu.

Całkowicie zgadzam się z Jindrą Lacko co do obowiązku artysty. To dotyczy pieniędzy.

Twoje sformułowanie sugeruje, że używasz fotografii jako kreatywnego ujścia (sztuki osobistej). W takim przypadku istnieje tylko jeden rodzaj oszustwa, ponieważ jest tylko jedna zasada: ostateczny obraz musi spełniać twoją wizję artystyczną. Jeśli nie, oszukujesz siebie i swoich widzów.

Kadrowanie WRT: To arbitralne i nieuzasadnione obciążenie dla twojej artystycznej wizji i interpretacji przedmiotu, które wymaga, aby ostateczny obraz odpowiadał proporcjom kadru sprzętu używanego do przechwytywania. Aby zmaksymalizować jakość obrazu, POWINNO starać się wstępnie wykadrować obraz, aby wystarczyło przyciąć tylko wzdłuż jednej osi (szerokość lub wysokość). Czasami jest to po prostu niemożliwe. Potem staje się kwestią poświęcenia odrobiny jakości w porównaniu z poświęceniem strzału ... zwykle warto go oddać.

Mówiąc o uchwyceniu ... przechwycenie danych obrazu to tylko jeden krok (liczę 5) w procesie twórczym fotografowania. Jest to niezwykle ważne, aby być pewnym; ale to tylko jeden. Główną funkcją przechwytywania jest przechwytywanie wystarczającej ilości danych obrazu, aby można było nim manipulować w celu uzyskania obrazu podczas przetwarzania końcowego. Jeśli „zdmuchniesz” ważne pasemka lub pozwolisz, aby ważne szczegóły cienia popadły w czerń, obraz jest nie do naprawienia (bez uciekania się do ekstremalnych środków). Ten fakt jest motywacją do obrazowania HDR (dla cyfrowego) i systemu strefowego (dla filmu), ponieważ bardzo często zakres oświetlenia (aka zakres dynamiczny) sceny uniemożliwia dopasowanie go do fizycznych ograniczeń systemu przechwytywania (kamera / czujnik / film).

Wielcy fotograficy (Adams, Westons (Ed i Brett), White itp.) Spędzili długie godziny w ciemni, pracując nad swoimi obrazami, aby spełnić ich osobistą wizję artystyczną. Technologia czasów bardzo je ograniczała. Fakt, że oprogramowanie dokonuje teraz korekt dość trywialnych, nie zmienia tego ani trochę, ponieważ nigdy nie chodziło o proces, zawsze chodziło o wizję. Twierdziłbym, że podobnie jak wiele technologii, znacznie podnosi poprzeczkę pod względem oczekiwanego poziomu wyrafinowania, ponieważ jest o wiele łatwiejszy do osiągnięcia.

Ostatnia uwaga: Twoja artystyczna wizja zmienia się przez całe życie. Pamiętam, jak czytałem historię o Minor White pracującej nad kilkoma zdjęciami na nadchodzącą wystawę. Jeden z jego przyjaciół zapytał, dlaczego przerabia odciski, kiedy miał już odciski z tych samych negatywów. Odpowiedział „Tak, ale teraz widzę je inaczej”.

Komponowanie końcowego efektu podczas fotografowania ma kilka zalet: uzyskasz pełną moc kadrowania aparatu i jego pełną rozdzielczość. Dostaniesz ekspozycję i zakres dynamiczny odpowiednie dla najlepszego efektu końcowego. Jest to oślepiająco oczywiste w przypadku korzystania z zewnętrznych lamp błyskowych: jeśli trafią na obraz, ma to znaczące konsekwencje dla zakresu dynamicznego dostępnego dla wyniku, szczególnie jeśli twój sprzęt i przepływ pracy pozwalają na użycie TTL, a tym samym zmniejszą ekspozycję na i tak unikaj prześwietlenia tego, co nie powinno znaleźć się na ostatecznym obrazie. Oczywiście jest to podobne w przypadku źródeł światła lub rażących świateł, które ze względu na kompozycję mogą skończyć się poza kadrem. Kadrowanie zwykle jest najmniejszym złem, każdy obrót, rozciąganie lub korekcja perspektywy będzie cię kosztować pod względem ostrości obrazu.

Dlatego warto odpowiednio wstępnie kadrować: daje to najlepszy materiał do późniejszej pracy. Wstępne kadrowanie nie oznacza, że ​​kadrowanie jest idealne: nie pozostawiłoby to swobody w powiększaniu ramki, jeśli okaże się to konieczne (na przykład dla wypełnienia do innego współczynnika kształtu niż pierwotnie zaprojektowany). Powinieneś mieć wystarczająco dużo czasu na pracę w poprodukcji dla wszystkich zamierzonych celów.

Niedawno pomyliłem się, fotografując kota na patio. Okazało się, że dobre kadrowanie podzieliło przestrzeń ramy mniej więcej jednakowo między nornicą a kotem (wyobrażając sobie tylko wyłaniającą się połowę głowy kota, a nie pełne zwierzę i otoczenie). W wyniku niewłaściwego kadrowania miałem nie tylko niską rozdzielczość, ale także poważnie niedoświetlone pomimo użycia lampy błyskowej.

W rzeczywistości niektóre z bardziej konsekwentnych błędów kadrowania, które popełniam, zdarzają się zwykle, gdy próbuję uchwycić pełny byt, gdy dobre kadrowanie uzasadnia tylko jego znacznie mniejszą część. W szczególności, ponieważ „zwykłe” uchwycenie bytu jest mało przydatne do kadrowania (poza fotografowaniem produktu): albo chcesz wyobrazić sobie, jak coś pasuje do kontekstu, czy nie.